STORE15NOV

BRUNHILD FERRARI, EIKO ISHIBASHI, JIM O'ROURKE / L'oreille Voleuse (LP)

時間と記憶をめぐる音響芸術：ブリュンヒルド・フェラーリ、石橋英子、ジム・オルーク『L'oreille Voleuse』

BRUNHILD FERRARI、EIKO ISHIBASHI、JIM O'ROURKE による『L'oreille Voleuse』。本作は、日常の中で無意識に捉えられた音の断片や記憶を再構成したミックステープ的アプローチによって制作され、磁気テープに記録された「耳の記憶」を呼び起こすようなサウンドが展開される。そこに石橋英子とジム・オルークによる演奏が加わり、繊細かつ即興的な響きが作品に新たな層を与えていく。

フィールドレコーディングと即興演奏が紡ぐ、記憶の音響コラージュ

実験音楽、ラジオアート、フィールドレコーディングの要素が交錯する本作は、個人的な記憶と音響芸術が静かに交差するユニークな試み。Luc Ferrari のパートナーであり長年活動を共にし、その遺産を継承してきた彼女ならではの視点が反映された、時間と記憶をめぐるミュージック・コンクレート作品です。アルバム『L’oreille Voleuse（盗む耳）』において、ブリュンヒルド・フェラーリ (Brunhild Ferrari) は、自身のアーカイブに眠る磁気テープに記録された「耳の記憶」を石橋英子とジム・オルーク (Jim O'Rourke) に託しました。二人は彼女の磁気テープに記録された追憶を「生きた風景」として扱い、移り変わるプリズムのようなエレクトロアコースティックを即興で紡ぎ出しています。「耳は様々な場で、ノイズや予期せぬ音を無意識のうちに捉える。そこに選択の余地はないが、長年にわたって拾い集められてきた一つひとつの音のメッセージに、耳は常に注意を払い続けている」このシンプルな宣言の中に、ブリュンヒルド・フェラーリは「聴くこと」の倫理と詩的なものを描き出しています。世界が放つ偶然の「音」に対してオープンであり、境界を持たず、訪れるものをすべて歓迎する。こうして数十年にわたり磁気テープに定着された「驚きと印象」が、新たな「ミックステープ」の原石となりました。石橋英子とジム・オルークは、音の記憶を目覚めさせ、どの角度で光を当て屈折させるのか、あるいは影を落とすことができるかを静かに試みています。

ミュージック・コンクレートの伝統と、リュック・フェラーリの意思を受け継ぐもの

「他の多くの人と同じように、私は生まれ、育ち、学校に通い、試験に合格し、失敗し、愛し、時には懸命に働き、人生を楽しみ、そして今も続けている」こう語るブリュンヒルド・フェラーリのバイオグラフィーは、戦後実験音楽の「静かなるカウンター・ヒストリー」そのものです。この控えめな言葉の奥には、ミュージック・コンクレートやラジオアートの重要な変革とともに歩んだ人生が広がっています。彼女は ORTF (フランス国営放送) の調査部門でピエール・シェフェールと共に働き、音と映像の流動的な関係を研究しました。ドイツに生まれた彼女は、通訳や翻訳家としての顔を持ちながら、何よりもリュック・フェラーリ (Luc Ferrari) の共同制作者であり、人生の伴侶として活動しました。人生、音楽、作曲におけるリュック・フェラーリの助言は、彼女自身の音響芸術やラジオドラマを形作る原動力となり、それらはフランス・キュルチュール (ラジオ・フランスが運営するフランスの公共ラジオ局) やアメリカ、ドイツの主要ネットワークで放送されました。 2005 年にリュック・フェラーリが亡くなった後、彼女は彼の膨大なアーカイブの保存に努め、「Association Presque Rien – Friends of Luc Ferrari」を設立し、アーティストが彼のフィールドレコーディング音源にアクセスし新たな作品を創作できる国際コンクール「PRESQUE RIEN Prize」を創設。さらに著書「Musiques dans les spasmes」や英語版「Luc Ferrari: Complete Works」など、彼の著作の編集も手がけました。

現代インディ・実験音楽シーンを牽引する、石橋英子とジム・オルークの共鳴

日本の作曲家、歌い手、マルチ奏者である石橋英子は、実験的ポップ、即興演奏、映画音楽が互いに溶け合うような作品群を築き上げてきました。そこには常に、テクスチャーと空間への鋭い感性があります。濱口竜介監督作品（「ドライブ・マイ・カー」「悪は存在しない」）の映画音楽も手掛けており、実験音楽界を超えてより幅広い層に彼女の作品が知られるようになりました。映画のための心を揺さぶるピアノのモチーフを形作るその同じ感覚が、ノイズやドローン、断片化された歌を、移ろいやすい絵巻物 (タブロー) へと編み込んでいくのです。 2000 年代初頭から日本を拠点に活動するアメリカの作曲家／プロデューサー／マルチ奏者、ジム・オルークもまた、ジャンルを横断する多彩な歴史を持っています。ソニック・ユースや Wilco から、ガスター・デル・ソル、マース・カニングハムとのコラボレーションに至るまで、ロック、電子音響、フリーインプロヴィゼーション、現代音楽を行き来してきました。彼の作品において、形式的な厳格さと衝動的な創造性は対立するものではなく、共存するものです。彼はアクシデント (偶然) からいかに構造を立ち上げるか、そしてそのアクシデントをいかに必然のものと感じさせるかを知り尽くしています。

3つの感性が交錯する、緻密な構造と偶然の摩擦

『L’oreille Voleuse』において、3人の軌跡は「耳の記憶」というアイデアを中心に交差します。ノイズ、声、環境音、機械の息づかいが詰まったブルンヒルドのテープ・アーカイブは、固定された作品ではなく「生きた風景」として扱われ、石橋英子とジム・オルークがそこにリアルタイムで反応していきます。二人は音の上に覆い被さるのではなく、音の中で演奏し、隙間を掘り下げ、時にはその表面を微かに揺らす。その結果、じっくりと耳を澄ませたくなるような幾重にも重なる音響が生まれました。ブリュンヒルド・フェラーリが長年重ねてきた深い「傾聴」の時間が二人の演奏と溶け合い、3つの異なる感性がそれぞれ独自の景色を見出していくような濃密な体験がここにあります。アーカイブを単なる記念碑に留めるのではなく、現在進行形の流動的なアートとして呼吸させることは、その向こう側に広がる「別の部屋、別の時間」そして新しい聴き方へと導く、開かれた扉となることを物語っています。

Tracklist

1. L'oreille Voleuse - Original Version 20:13 / 2. L'oreille Voleuse - Performed by Eiko Ishibashi and Jim O'Rourke 20:15 / 3. L'oreille Voleuse - Extract 1 02:41 / 4. L'oreille Voleuse - Extract 2 05:01 / 5. L'oreille Voleuse - Extract 3 03:24 / 6. L'oreille Voleuse - Extract 4 02:16

L'oreille Voleuse Brunhild Ferrari, Eiko Ishibashi, Jim O'Rourke

TRACE MONUMENT / Hollow Land (Cassette)

英国ポストクラシカルの新たな傑作：TRACE MONUMENT『Hollow Land』

TRACE MONUMENT の『Hollow Land』。『Hollow Land』は、Daniel Elms とAdam Blyth の二人が 2025 年初頭にイギリスの南ダウンズの小さなコテージで過ごしたひとときを音にした、翳りを帯びたドローンが棚びくダーク・アンビエント作品です。Godspeed You! Black Emperor と Bell Witch の狭間で揺らめくような内省的なこのアルバムは、没入感のあるリスニング体験を提供します。牧歌的でありながら原始的、そして繊細なサウンドスケープは、聴く者を静かに包み込みます。共に北イングランド、ハルで育ち、長年の友人である二人の音楽家が、2025 年にイギリス南部サウス・ダウンズにある小さなコテージで過ごした、儚くも深く心に響くひととき――。アルバム『Hollow Land』は、日常の喧騒から離れ、人間の根源的なものへと立ち返ったその瞬間を捉えた作品です。 Daniel Elms と Adam Blyth は、それぞれが独自の音楽言語を持っています。それは、20 年以上にわたる作曲、演奏、そして音楽を聴くという行為を通じて形作られてきた、彼らだけのパーソナルな方言のようなものです。しかし、二人の絆は音のつながりよりもさらに深い場所にあります。ともにイースト・ヨークシャーの北部の港町ハル (Hull) で育った二人は、ポストインダストリアルの景観や、イギリスの労働階級の街で生きる若者が通る、特有の通過儀礼を共有しながら感性を育んできました。

西ヨークシャーの記憶：ウィリアム・ブレイクが批判した「ダーク・サタニック・ミル」

二人が共有する過去には、かつて詩人ウィリアム・ブレイクが痛烈に「these dark satanic mills (暗黒の悪魔のひき臼)」と名付けた、あの記憶の亡霊たちが潜んでいます。西ヨークシャーの谷あいに今もそびえ立つ、かつての巨大な近代産業の遺物たち。それらは、エジプトのギザのピラミッドやローマのコロッセオのように、周囲に広がるささやかな生活インフラを圧倒するかのように君臨しています。これらは、決してロマンチックな廃墟ではありません。風化した産業の骸 (むくろ) であり、労働と貧困、そして大いなる野心と衰退の象徴です。しかし同時に、ポストインダストリアルな田園風景の中に宿る、奇妙な美しさを思い出させてくれる存在でもあるのです。

音楽で描く自伝的フィクション：魔術的リアリズムが交錯するヨークシャーの荒野

『Hollow Land』の中で、エルムズとブライスはこの視覚的な矛盾のなかを彷徨います。本作は、自伝的フィクションとしてのヨークシャーの姿を映し出した標題音楽であり、魔術的リアリズムが重ね合わされた荒野の音楽です。そしてこの表現こそが、二人のコラボレーションのメタファーとなっています。それぞれの音楽言語の間にある「未知の領域」を探索する二人の音楽家によって描かれた、一枚の地図。それが本作なのです。こうして作り上げられた作品は、緻密でありながら原始的、そしてどこか牧歌的でもあります。それは帰郷をめぐる瞑想の記録です。『Hollow Land』は、二人のアーティストが音、記憶、そして即興の遊びを通じて、自分たちの「共通の領域」を見つけ出した軌跡そのもの。音と記憶が刻まれた美しい風景が、ここに広がっています。

Tracklist

Hollow Land 40:47

Hollow Land Trace Monument

Various / X - X Section (CD)

Andrew Chalk、Muslimgauze、Christoph Heemann、Jim O'Rourke などを収録した、暗黒のコンピレーション『X - X Section』

Extreme レーベルのコンピレーション『X - X Section』デッドストック。オーストラリアの実験的電子音楽レーベル Extreme から 1991 年にリリースされたコンピレーション。Shinjuku Thief、Paul Schütze、Andrew Chalk、Muslimgauze、Christoph Heemann、Jim O'Rourke、Merzbow などの曲を収録した CD。インダストリアル、ダークアンビエント、ダークウェーブなど暗黒のコンピレーション。

Tracklist

1. Shinjuku Thief - Graven Image 3:30 2. Peter Appleton - Water Rises 4:20 3. Paul Schütze - Dead Heart 6:16 4. C-Schulz - Firn 4:22 5. Ian Eccles-Smith - The Slaughtering Eye 5:06 6. Richard Vojlay - All Passion Spent 6:20 7. Tenebrae - Sprawl Mercs Pay Out 3:40 8. Andrew Chalk - Ora 3:58 9. Muslimgauze - Shiva 6:54 10. Christoph Heemann - A Shellweed Dream 7:17 11. Jim O'Rourke - Far Along A Vacant Sea 5:02 12. Merzbow - Hiturbo No.4 4:00

SHIT AND SHINE / 2222 & Airport (LP)

狂気の電子舞踏音楽！異彩を放つ【SHIT AND SHINE】フロア直撃の工業系ファンク

SHIT AND SHINE のアルバム『2222 & Airport』。Rocket Recordings、Gangsigns、Diagonal、Editions Mego レーベルなどからもリリースを重ねる、テキサスの Craig Clouse による、ダンスフロアを粉砕するかのようなエクスペリメンタルかつジャンクな工業系ファンク・プロジェクト「SHIT AND SHINE」が、The state51 Conspiracy レーベルからは初となる、記念すべきフルレングス・アルバム『2222 And AIRPORT』。2023 年のリリース。アシッド・ハウス、ミニマル・テクノ、エレクトロ、ファンク、クラウトロック、ヒップホップ、ファウンド・サウンド (環境音)、スポークン・ワード、生パーカッション、そしてインダストリアル。これらすべての要素を驚天動地に破壊し、Craig Clouse 特有の「マッドサイエンティスト・スタイル」で再構築した、リスナーをトランス状態へと誘う至高の 13 トラックが収録されています。

先行シングル『SWISS』：ミニマル・ファンクが火をつける狂乱の夜

3月24日にリリースされるリードシングル『SWISS』は、見事なまでにミニマルなファンク・ジャムです。それはまるで、アットホームなハウスパーティーの照明がふっと消され、伝説となるような狂乱の夜が幕を開ける「その瞬間」を音にしたかのよう。システムエラーを思わせる、冷徹で骨組みだけのそぎ落とされたリフ。それが、Prefuse 73 の初期の超ハイパープロセッシング作品へと頭から衝突しながら、アルバム「Sign 'O' The Times」時代のプリンスを彷彿とさせるフレーズを呼び覚まします。さらに、マンチェスターの DJ Luke Una が「existential fucking darkness」について語るニヤリとするようなサンプリングもフィーチャーされています。

フロアー直撃の破壊力：『INFINITE SHITE』

続いて4月4日にドロップされた「INFINITE SHITE」は、間違いなく本作の中核をなす壮大なトラックであり、SHIT AND SHINE の歴史に刻まれるであろうフロア仕様の爆音バンガーです。 Funktion-One の巨大スピーカーから鳴らされるにふさわしい、Byetone を彷彿とさせる容赦のない脈動的なベースドローン。それすらも、行く手にあるものすべてを押し潰す巨大なアシッド・ベースラインの背景に過ぎません。

狂気の「ブロブトロニクス」

意識の境界線上で蠢くような微細なディテールは、クラブのフロア、ヘッドホンでのリスニング、あるいは感覚が極限まで研ぎ澄まされた状態の脳内にのみ、その全貌を現します。キャリア約 20 年を迎えた SHIT AND SHINE が今回提示するのは、錯乱し、タガが外れ、狂気に満ちた、妥協を一切排した不条理で脳を溶かすような「ブロブトロニクス (アメーバ状のエレクトロニクス)」の世界です。もし同じテキサス出身の「バットホール・サーファーズ (The Butthole Surfers)」が、サイケデリック・ノイズ・パンクの代わりにテクノを作っていたら、この『2222 and AIRPORT』のドロドロとしたエクトプラズムのようなサウンドになっていたかもしれません。

''インダストリアル・カウボーイ'' が放つ、予測不能なテクノ

このインダストリアル・カウボーイ ($&$) は、身体を歪ませる奇妙なトラックの数々で完全にブチギレています。最新作『2222 and AIRPORT』は、歪んだテクノの 13 トラックで構成され、奇怪な音が散りばめられています。本作は、NHK や初期 Planet Mu のグリッチを連想させる、押しつぶされたステップの『Swiss』から、酩酊感のあるエレクトロ・ダブの抽象画『Dirt Bike』、そしてクラブを飲み込むスローテクノ『Infinite Shite』にいたるまで、ジャンルの枠をすり抜けて爆走する、SHIT AND SHINE 史上最も一筋縄ではいかない作品に仕上がっています。

往年のファンを唸らせる、過激なトラック群

長年のリスナーなら、『Ten Four Cheese Whopper』のトレードマークである ''汚物感 (グロット)'' を貪り食い、蘇生するインダストリアル・ステッパー『Rewower』でステップを踏み、『Buzzard Back Tree』をガリガリと噛み砕いた後にその刺激に悶絶することでしょう。

Tracklist

1. SWISS 03:01 / 2. BUZZARD BACK TREE 04:16 / 3. REWOWER 03:37 / 4. UHOK 00:57 / 5. BBC BEACH 04:01 / 6. DIRT BIKE 04:37 / 7. TEN FOUR CHEESE WHOPPER 04:26 / 8. DR+R 04:22 / 9. 4 K4T 02:41 / 10. INFINITE SHITE 07:11 / 11. YOUR DADS A LOSER 01:33 / 12. VLANCH 01:20 / 13. GIRL 01:41

2222 AND AIRPORT Shit and Shine

KiMiMi / ИМА (イマ) (CD/LP)

建築と音が呼応する、幻想的なフォークロア音響の記録――KiMiMi『ИМА（イマ）』

蟻鱒鳶ルの「呼吸」を音楽へと昇華

KiMiMi の『ИМА (イマ)』。音楽家・大野慎矢によるソロ・プロジェクト KiMiMi。本作『ИМА（イマ）』は、東京・三田にある建築家・岡啓輔による 20 年のセルフビルド建築「蟻鱒鳶ル (アリマストンビル)」に宿る時間の層と、そこに集う人々の気配を音として掬い上げ、音楽として再構築した意欲作です。

多彩な楽器と「生活の痕跡」が紡ぐ世界観

ブルガリアで学んだガイダ（バグパイプの一種）を軸に、多彩な楽器を自在に操るマルチ奏者のKiMiMi。これまで旅先で録りためた生活の痕跡や民俗的な旋律を「宅録」というスケールに持ち帰り、カセットテープ作品や舞台音楽などを通して、独自の幻想的なフォークロア音響を紡いできました。

建設現場の音と生楽器が溶け合うサウンドスケープ

音楽活動の傍ら、自らも「蟻鱒鳶ル」の建築作業に参加してきた KiMiMi は、現場のハンマー音や鉄骨の響き、昼休みの雑談、通りを走る車の音などを丹念に記録してきました。 2022 年末始動の ZINE『月刊蟻鱒鳶ル売り鱒』への寄稿をきっかけに、これらの環境音と、ガイダ、アコーディオン、ピアノ、足踏みオルガン、シンセサイザーといった多様な楽器をレイヤー化し構築。現場の湿度や呼吸が刻まれた、唯一無二のサウンドスケープを形にしています。

「即興的構築」が共鳴させる建築と音楽

KiMiMi の創作は、計画的な構築よりも、偶然や直感、そして時間の流れに委ねる姿勢に貫かれています。断片的な録音を重ね、時間を置いて再び掘り起こす。そのプロセスは、図面を持たず即興的に層を重ねて築かれる「蟻鱒鳶ル」のあり方そのものと共鳴しています。

境界を越え、人が生きる時間を映し出す

『ИМА（イマ）』は、KiMiMi の音の旅の現在地であり、建築と音楽、記録と創作、個と共同体の境界を軽やかに越えていく試みです。都市の喧騒、手作業の静けさ、笑い声――現場に響くあらゆる音が音楽と溶け合い、人が生きる時間そのものを鮮やかに映し出しています。

Tracklist

1. Missai Odoritamae / 2. Jarry to Aragane Strip / 3. OD DO / 4. Toki yo / 5. Kehai / 6. 5x 5x 7x

ИМА (イマ) KiMiMi

NIDIA & VALENTINA MAGALETTI / Estradas (Versions) (LP, Japan Edition with OBI)

2024 年の傑作が進化を遂げる。ニディア × マガレッティの打楽器言語を再定義する刺激的リワーク集

NIDIA & VALENTINA MAGALETTI の『Estradas (Versions)』。パリのレーベル「Latency」から、ドラマー兼作曲家のヴァレンティーナ・マガレッティと、アフロ・ポルトガル人プロデューサー Nídia (ニディア) による絶賛されたコラボレーション作『Estradas』をダイナミックに再構築した『Estradas (Versions)』が登場。世界各地のクリエイターによる超刺激的リワーク集。DJ アンダーソン・ド・パライーゾ、ローザ・ピストーラ、Dj Plead、BADSISTA、Sherelle、Yu Su ら世界各地の先鋭アーティストが参加し、バイレ・ファンク、UK ベース、アンビエント、ブレイクビーツ、ポリリズムを横断する刺激的サウンドを展開。ニディア&ヴァレンティーナ・マガレッティによる実験精神をさらに拡張した作品。

高く評価された原曲を解体・再構築する

Pitchfork、The Wire、Resident Advisor など、数々の主要メディアで「2024年のベストアルバム」の一枚に選出された前作『Estradas』。本作はその続編として、多才なプロデューサーや DJ たちを招き、マガレッティとニディアが作り上げた生の打楽器言語を解体・再定義した作品です。原曲が持つ大胆なリズムの感性はそのままに、テンポ、ジャンル、ムードの枠を超えた過激な変容を遂げています。

世界各地のクリエイターによる独創的なアプローチ

- Dj Anderson do Paraíso: ベロオリゾンテのバイレファンキ革新者が、スローで幻覚的なドリフトへと変貌。 - Rosa Pistola & Freebot: メキシコ拠点の両名が、アンダーグラウンドなラテン・ダンスフロアの熱気を注入。 - Dj Plead: レバノン系オーストラリア人の才人が、ポリリズミックな緊張感へと精製。 - BADSISTA: ブラジルのプロデューサーによる、鋭いシンセと容赦ない低音のクラブ仕様。 - FAUZIA: 彼女のシグネチャーであるスピードと感情を織り交ぜ、リズムの複雑さを研ぎ澄ませます。 - Sherelle: ロンドンの 160bpm クイーンが、高速フットワークやジャングルのエネルギー再構築。 - Yu Su: 中国出身のアーティストが、流動的でアトモスフィアな解釈を提示。 - Fergus Jones: スコットランドのプロデューサーが、催眠的なリズムの領域へ。 - Kelman Duran: 影のある残響空間へと楽曲を拡張。 - Charif Megarbane: ヴィンテージなライブラリー・ミュージックやサイケ・ジャズを想起させる、豊かなテクスチャーで再描画します。

「道（Estradas）」の新たな展望

本作は単なるリミックス・アルバムではありません。原曲のリズムという「素材」を新たなプリズムに通し、その可能性を再活性化させた「ヴァージョン（変奏曲）」です。アートワークにおいても、衝撃の瞬間を捉えた前作のクローズアップに対し、今作ではカメラを引き、空を舞う鳥たちを捉えています。ポルトガル語で「道」を意味するタイトルの通り、これは過去を振り返るものではなく、別の道へと鋭く舵を切った、大胆な視点の転換を象徴する作品です。

6月26日発売 - 予約受付中

Tracklist

1. Andiamo (Dj Anderson do Paraíso Version) 02:10 / 2. Rapido (Rosa Pistola x Freebot Version) 02:43 / 3. Sicilia (DJ Plead Version) 04:55 / 4. Mata (BADSISTA Version) 03:51 / 5. Nasty (FAUZIA Version) 02:29 / 6. Estradas (SHERELLE 160 Version) 05:26 / 7. Estradas (Yu Su Version) 05:32 / 8. No Promises (Fergus Jones Version) 02:29 / 9. Ta A Bater Ya (Kelman Duran Version) 04:30 / 10. Ta A Bater Ya (Cosmic Analog Ensemble Version) 02:37

Estradas (Versions) Nídia & Valentina

GOAT (jp) / Without References - Cindy Van Acker (LP, Japan Edition with OBI)

「建築」のごとき精密なリズム - GOAT × シンディ・ヴァン・アッカーが到達した、静謐かつ過激な極限のリズム・アンサンブル

GOAT の『Without References - Cindy Van Acker』。カルト的な人気を誇る日本のポストロック・アンサンブル、GOAT によるリズムと抽象概念を巡る音の旅。振付家シンディ・ヴァン・アッカーによる同名のダンス作品『Without References』のスコアとして書き下ろされた本作は、グループの過激なリズム・アプローチをコンテンポラリー・パフォーマンスの領域へと拡張しています。日野浩志郎率いる５人編成のエクスペリメンタル・リズムアンサンブル GOAT (ゴート) が、スイスの世界的コンテンポラリー・ダンス振付家シンディ・ヴァン・アッカーからの委嘱を受け制作した最新作。ミカ・ヴァイニオとのコラボでも知られるヴァン・アッカーの緻密な身体表現と、GOAT (jp) による超精密リズムが融合し、ミニマル、ノーウェイヴ、ポストロック、現代音楽を横断する圧巻の音響空間を構築。「Joy In Fear」以降さらに深化した機械的グルーヴと有機的パーカッションが交錯し没入感を生み出す。現代アヴァンギャルド最前線を体現する強烈な作品。

メロディを排した「純粋な打楽器」としてのアンサンブル

YPY、KAKUHAN としても知られ、Boredoms や Mark Fell とのコラボレーションも話題となった、大阪を拠点に活動する日野浩志郎が率いる GOAT (jp) は、ギター、ベース、ドラム、パーカッションを用いながら、メロディよりも純粋な打奏の相互作用を優先することでミニマリズムを再定義してきました。標準的な音階を外れたハーモニクス、ミュートされたベーストーン、そして精緻に噛み合うドラムパターン。彼らの複雑なリズムの建築学は、機械的な精密さと有機的な流動性の境界を曖昧にします。その結果生まれるのは、都市の儀式のように脈動し、トライバルでありながら未来的な、容赦なく催眠的なサウンドです。

極限まで高められたリズムの建築学

GOAT (jp) はリズム構成を極限まで高め、観客をトランス状態へと誘うパフォーマンスを創り出します。その音響的探求はインストゥルメンタル・ミュージックの境界を押し広げ、ライブにおいては肉体的な激しさと細部までコントロールされた緻密さを共存させています。日本で最も魅力的なアヴァンギャルド・アクトの一つとして、彼らはリズムを「純粋な建築」へと変貌させます。それは、揺るぎない精度とパワーを持って展開される、進化し続ける音の構造体です。

世界を舞台に展開する実験的音楽の最前線

近年、GOAT (jp) は池田亮司の「Ultratronics Japan Tour」にて主要公演のサポートを務め、現代実験音楽シーンにおける重要な地位を改めて証明しました。また、東京のリキッドルームをはじめ、オランダのRewire Festival、ロンドンのICA、ポルトガルのGnrationなど、世界各地のフェスティバルやアートスペースで公演を行い、国際的に高い評価を得ています。

舞台作品『Without References』について

振付家シンディ・ヴァン・アッカーによる本作は、形、持続、そして記憶をめぐるコレオグラフィックな探求です。巨匠ロメオ・カステルッチが手掛ける舞台美術は、待合室、駅のホール、あるいはミッドセンチュリーのインスタレーションの間を揺れ動くような空間を創り出します。 11 人のダンサーが、ヴァン・アッカーの峻厳かつ流動的な身体言語を体現。goat (jp)による打楽器主体の純化されたコンポーズと呼応し、本能に響く没入型の体験を生み出しています。

6月26日発売 - 予約受付中

Tracklist

1. Quest 05:37 / 2. Throne hh 02:58 / 3. Factory 06:33 / 4. G-H-S 04:15 / 5. Orin 10:12 / 6. CR 08:24

Without References/Cindy Van Acker goat (jp)

MOHAMMAD REZA MORTAZAVI, RICARDO VILLALOBOS / Swamp (12'', Japan Edition with OBI)

伝統の打鍵をミニマリズムの魔術で拡張する。ヴィラロボスが描く、24分間の催眠的ペルシアン・ダブ・テクノ

MOHAMMAD REZA MORTAZAVI, RICARDO VILLALOBOS『Swamp (Ricardo Villalobos Variation)』。リカルド・ヴィラロボス×モハンマド・レザ・モルタザヴィによる、ペルシャ打楽器と極上のミニマル・テクノが融合、24 分間フロアを陶酔へ導く圧巻ポリリズム・ジャーニー。チリのミニマル・テクノの魔術師リカルド・ヴィラロボスが、イランの打楽器奏者モハマド・レザ・モルタザヴィによるトンバク演奏を大胆に再構築。原曲『Swamp』の４分間のアイデアを、24 分に及ぶ没入型ポリリズム・トラックへと昇華した。ペルシャ伝統打楽器の有機的グルーヴと、ヴィラロボス特有のスリンキーなミニマル・テクノ感覚が融合し、フロアを深く催眠状態へ導く圧巻の内容。ラテン〜中東〜ヨーロピアン・クラブ・カルチャーを横断する、実験性とダンス性を兼ね備えた強力作品。

24分間の催眠的ポリリズム・エディット

ヴィラロボスは、もともと自身の「しなやかなミニマル・テクノ」を彷彿とさせる原曲「Swamp」から、よりドライヴ感のある荒々しいリズムの粒子を抽出。フロアを長時間にわたって没入させる、強烈なグルーヴへと昇華させました。うねるようなベースラインを強調し、音圧を高めながらも、原曲が持つ摩擦音のような独特の質感は維持。執拗なまでのこだわりでグルーヴの深淵へと潜り込み、弦楽器のモチーフを加えながら、彼らしい「タイトでありながらしなやか」な唯一無二のフレックスを注入しています。

伝統を再定義する打楽器の至宝：モハマド・レザ・モルタザヴィ

1979 年イラン生まれのモハマド・レザ・モルタザヴィは、伝統的なペルシャの太鼓「トンバク」と「ダフ」の概念を根底から覆した名手です。 6 歳でトンバクを始めた彼は、9 歳にして師を凌駕し、イラン全国大会で優勝。その後も計6回の優勝を重ね、20 代前半で楽器の第一人者としての地位を確立しました。彼の音楽は伝統に留まることなく、新しい奏法や語彙を取り入れながら進化を続けています。

ミニマル・ダブテクノの象徴：リカルド・ヴィラロボス

1970 年チリ生まれのリカルド・ヴィラロボスは、ミニマル・ダブテクノの先駆者であり、リズムに対する催眠的なアプローチで熱狂的な支持を集めています。 11 歳からコンガやボンゴを叩き始めたことで培われた「リズムへの触覚的な感性」は、彼のプロダクションの核となっています。中南米のフォークロアと 80 年代後半の欧州テクノシーンを融合させた独自のスタイルは、90 年代初頭のデビュー以来、世界のクラブカルチャーにおいてカルト的な象徴であり続けています。

6月26日発売 - 予約受付中

Tracklist

A1. Swamp(RicardoVillalobosVariation)-Part1 B1. Swamp(RicardoVillalobosVariation)-Part2

Swamp (Ricardo Villalobos Variation) Mohammad Reza Mortazavi, Ricardo Villalobos

GOAT (jp) / Without References (Ricardo Villalobos Variations) (12'', Japan Edition with OBI)

肉体的な衝動と極限のミニマリズム。日野浩志郎 (GOAT) × リカルド・ヴィラロボスが描く深淵なるリズムの対話

GOAT, RICARDO VILLALOBOS 『Without References - Cindy van Acker (Ricardo Villalobos Variations)』。日野浩志郎率いる５人編成のエクスペリメンタル・リズムアンサンブル・バンド GOAT と、ミニマル・ダブテクノの巨匠リカルド・ヴィラロボスによる注目コラボレーション。身体性ミニマルを極限のダブ・テクノへと昇華したコラボレート作品。世界的振付家シンディ・ヴァン・アッカーの舞台作品『Without References』のために制作された楽曲「Orin」「Factory」を、リカルド・ヴィラロボスが独自のリズム感覚で再構築。GOAT (ゴート) 特有の非旋律的かつ催眠的なパーカッション構造に、ラテン由来のグルーヴとミニマル・テクノが融合し、トライバルかつ未来的なサウンドスケープを展開する。現代音楽、ダンス、クラブカルチャーが交差する最前線作品。

ミニマリズムが交差する「再解釈」の試み

本作でリカルド・ヴィラロボスは、振付家・パフォーマンスアーティストであるシンディ・ヴァン・アッカーのダンス作品『Without References』のために goat (JP) が書き下ろした２つの楽曲、「Orin」と「Factory」を再構築しています。これは、2025年に同レーベルから発表されたモハマド・レザ・モルタザヴィの「Swamp」に対するリカルド・ヴィラロボスのヴァリエーションに続くものであり、Latency が追求する「再解釈」と「リズムの対話」というテーマをさらに深化させる内容となっています。

日本の「goat」による緻密な音像

YPY、KAKUHAN としても知られ、Boredoms や Mark Fell とのコラボレーションも話題となった大阪を拠点に活動する作曲家・日野浩志郎率いる goat (JP) は、現代ミニマル・ミュージックの旗手として世界的に高く評価されています。彼らは本作において、非音階的なリズムパターンを、驚くべき深みを持つ複雑で催眠的な構造へと変貌させてきました。そのトライバル (呪術的) かつフューチャリスティックなサウンドが、ミニマル・テクノと中南米のリズムの伝統を融合させるヴィラロボス独自のプロダクション・スタイルによって、新たな形へと再定義されています。

リカルド・ヴィラロボスのリズム哲学

リカルド・ヴィラロボスは、電子音楽における催眠的かつ重層的なリズム・アプローチで知られるミニマル・ダブテクノの先駆者です。チリに生まれ、ピノチェト政権を逃れてドイツで育った彼は、11 歳でコンガやボンゴを始め、打楽器への強い関心を持っていました。このリズムへの触覚的なこだわりは、現在の彼の制作活動にも色濃く反映されています。中南米のフォークロアと、80 年代後半の欧州ハウス・テクノシーン双方の影響を受けた彼は、90 年代初頭から DJ や制作を開始し、瞬く間に世界のクラブカルチャーにおいてカルト的な人気を確立しました。

舞台作品『Without References』との呼応

本作のインスピレーション源であるシンディ・ヴァン・アッカーのダンス作品『Without References』は、幻想的な演出で知られるロメオ・カステルッチが舞台美術を手掛けています。待合室や駅のホール、ミッドセンチュリーのインスタレーションを彷彿とさせる空間で、11 人のダンサーがヴァン・アッカーの精密かつ流動的な動きを体現。goat (JP) による削ぎ落とされた打楽器の楽曲と共鳴し、観る者の本能に訴えかける没入型のパフォーマンスを展開しています。

視覚的アプローチ

アートワークには、セーヌ＝サン＝ドニでの上演時に、写真家マガリ・ドゥガドスによって撮影された舞台写真が使用されています。音楽と視覚芸術、そして身体表現がひとつに溶け合う、芸術的な側面を持ちます。

6月26日発売 - 予約受付中

Tracklist

A1. Orin (Ricardo Villalobos Variation) B1. Factory (Ricardo Villalobos Variation)

Without References/Cindy van Acker (Ricardo Villalobos Variations) goat (JP), Ricardo Villalobos

JEFF PARKER ETA IVtet / Happy Today (CD/LP Color Vinyl, Japan Edition with OBI)

Tortoise のメンバーでもある JEFF PARKER 率いる ETA IVtet の「場」と「対話」の力を体現した重要作

JEFF PARKER の『Happy Today』。恍惚としたアンビエンスがディープ・リスニングへと導く、自由に、静かに熱を孕む、新次元のミニマル・ジャズ。 Tortoise、Isotope 217 のメンバーでもあるギタリスト JEFF PARKER ギタリスト、ジェフ・パーカー率いる「ETA IVtet」の通算3作目となるアルバム『Happy Today』は、2025 年 8 月 20 日にロサンゼルスの「Lodge Room」で行われたライブを収録したものです。本作は、グループにとって記念すべき一枚となりました。なぜなら、彼らの拠点でありながら惜しまれつつ閉店したハイランド・パークの極小クラブ「ETA」を飛び出し、初めて外の会場で録音された公式記録だからです。メンバーには、ドラムのジェイ・ベラローズ、ベースのアンナ・バターズ、サックスのジョシュ・ジョンソンという不動の面々が名を連ね、ミニマルでジャンル横断的な即興演奏を展開する長尺な２曲を収録。エンジニアのブライス・ゴンザレスが特注機材で捉えた音像は、困難な時期の中で生まれた束の間の高揚と連帯感を鮮やかに刻む。NPR Tiny Desk 出演など近年も精力的なジェフ・パーカーの歩みとともに、バンドの本質である「場」と「対話」の力を体現した重要作となっています。

スタジオ録音を凌駕した「ライブ」の魔力

このコミュニティが生む喜びと連帯感こそが、ETA IVtet の音楽における最大の触媒です。観客もまた、彼らの音楽を構成する不可欠な要素となっています。事実、この Lodge Room での公演は、当初は週末に行われたスタジオ・セッションの「締めくくり」として企画されたものでした。そのセッションこそがグループ初のスタジオ・アルバムになる予定だったのです。しかし、録音を聴き返したパーカーにとって、Lodge Room での演奏こそが最も輝きを放ち、長年 ETA で毎週月曜に培ってきたバンドの精神を最も忠実に体現していることは明白でした。

７年の歳月が育んだ独自の「言語」

「ETA」という場所は、単なるバンド名の由来以上の存在でした。そこは実験室であり、リスクを恐れずに挑める試練の場でもありました。神話的とも言える７年間にわたる月曜夜のレジデンシーを通じて、カルテットのサウンド・言語は濾過され、結晶化していったのです。その歩みは、2022 年の「Mondays at The Enfield Tennis Academy」、2024 年の「The Way Out of Easy」という２枚の高い評価を得たアルバム、そして一聴してそれと分かる独自のグループ・サウンドへと結実しました。

400人の聴衆と共鳴する「深いリスニング」

『Happy Today』に刻まれているのは、そのシグネチャー・サウンドです。長尺でミニマルな即興演奏を軸とした独自の構文が、より広い空間へと自信を持って拡張されています。アルバムは、Lodge Room の中央に陣取ったバンドを約 400 人の熱心な聴衆が取り囲む「イン・ザ・ラウンド (円形)」形式で録音された、２つの長尺な即興演奏で構成されています。会場の規模は劇的に大きくなりましたが、需要は高まる一方です。デビュー作「Mondays」以降、ライブ体験を求める声は急増し、ETA の閉店直前には、入りきれないほどの人々が毎週月曜に列をなしていました。2023 年 12 月にクラブが閉鎖されるまで、彼らはロサンゼルス以外で演奏したことがなく、その希少性がバンドの音楽に神秘的な魅力を与えてきました。

時代に逆行する「静寂の探求」

データやストリーミング中心の現代文化において、ミニマルで長尺な即興演奏は、ある意味で対極に位置するものです。しかし、『Happy Today』の会場に集まった人々は、バンドが提示するペースに身を委ね、一つのアイデアを徹底的に掘り下げてから次へと移るその物語を、じっくりと受け入れています。「バンドは静止した空間を探索することを恐れません」とパーカーは語ります。「一つのアイデアに長く留まり、それを使い果たす。すると誰かが変化を促し、全員が共に動き出すのです」「全員が常に『パンのくず (ヒント)』を落とし続けていて、それを拾うか放っておくかは自由なんだ」とベラローズは付け加えます。バターズもこう続きます。「変化の瞬間は一瞬で訪れます。誰かが新しいアイデアを提案すれば、瞬時に空気がひっくり返る。その瞬間のために、全員が常に準備を整えているんです」

音の風景が変わる瞬間：楽曲「Like Swimwear」

アルバムの冒頭を飾るサイド長の大作「Like Swimwear」は、このカルテットの真骨頂です。慎重に立ち上がり、不協和音を一切使わずに 10 分以上かけて緊張感を高めていきます。ジェイ・ベラローズは、靴の中に仕込んだり脚に巻き付けたりした様々なパーカッションを駆使し、リズムの深層を探ります。そして、崩壊の直前でベラローズが滑らかなダウンビートを刻み始めると、パーカーはオルガンのようなドローンを響かせ、一気に景色が変わります。それはまるで、支流から本流へ、そして氾濫原へと流れ込む水のように、決まった道筋のない、しかし必然的な変化です。

「民主的」なリスニングが生む、有機的な進化

ETA IVtet の音楽に厳格なルールはありません。パーカーの役割は、自らを脱中心化し、各メンバーに平等な発言権を与えることにあります。「誰もが、『君に付いていく』ではなく『君の音は聴こえている』というスタンスで耳を傾けています」とサックスのジョシュ・ジョンソンは言います。「共に過ごした時間のおかげで、リスニングの質が成熟しているんです。非常に特別な形の『ディープ・リスニング（深い傾聴）』ですね」驚くべきことに、ベースのアンナ・バターズは「このバンドで即興演奏を学んだ」と明かしています。「ETA IVtet には独自の言語があり、どこから聴いてもこのカルテットだと分かる。それは何年もかけて、言葉での話し合いをほとんどせずに、有機的に育まれてきたものなんです」

職人技が捉えた「音」と「映像」

本作のライブ録音は、エンジニアのブライス・ゴンザレスの手によって美しく結実しました。彼はこのバンドを録音するために自作したコンパクトな機材を用い、ナグラのテープマシンへダイレクトにミックスを流し込みました。さらに今作では、チャーリー・ワインマン監督によるフルレングスの記録映画も同時公開されます。フィルム・ノワールのような影のある美しい映像は、これまで限られた場所でしか目撃できなかった IVtet (カルテット) の演奏の喜びを、世界中のファンに届けてくれます。『Happy Today』によって、ジェフ・パーカーの IVtet はそのリーチをかつてないほど広げましたが、その本質は変わりません。それは、バンドメンバー間、そして観客との間に生まれる、錬金術のようなコミュニケーションです。心を開き、耳を澄ます。本作は、その深いリスニングの喜びへとあなたを招待する、最高の一枚です。 - Jay Bellerose - drums and percussion - Anna Butterss - acoustic bass - Josh Johnson - alto saxophone with electronics - Jeff Parker - electric guitar with electronics - CDとLP (オレンジ・ヴァイナル) があります。ご希望フォーマットのカートをご利用下さい。 - Japan Edition with OBI

Tracklist

1. Like Swimwear / 2. Happy Today / 3. Like Swimwear (part one) / 4. Like Swimwear (part two)

ESSIT MUZIQUE / Whoo Part Twoo (12 inch)

Dance Arena Productions から 1995 年にリリースした、ESSIT MUZIQUE 名義のデビュー・シングルにして傑作アシッド・トラック

ESSIT MUZIQUE の『Whoo Part Twoo』デッドストック。Shiver など様々な名義で活躍していた Erik Van Den Broek が ESSIT MUZIQUE 名義で Dance Arena Productions から 1995 年にリリースした、ESSIT MUZIQUE 名義のデビュー・シングルにして傑作アシッド・トラック『Whoo Part Twoo』。初期ハードフロアーにも匹敵する、アシッドのうねりが上昇気流を生むようなファンキーに昇天させてくれるアシッド・テクノ２トラック。このシングル、海外では高額取引されている１枚です。この Dance Arena Productions レーベルから DMX Krew もデビューしています。

Tracklist

A. Essit Muzique 11:39
B. Whoo Whoo - Part 2 6:17

Essit Muzique - Essit Muzique

Essit Muzique - Whoo Whoo - Part 2

BOARDS OF CANADA / Inferno (CD/2LP, Japan Edition with OBI)

13年ぶりの帰還、BOARDS OF CANADA が描き出す「黙示録」-『Inferno』

BOARDS OF CANADA の『Inferno』。13 年の沈黙を破り、ボーズ・オブ・カナダがアルバム『Inferno』を発表。Warp Records よりリリース。本作『Inferno』は、マイケル・サンディソンとマーカス・イオンによる音楽プロジェクト、ボーズ・オブ・カナダにとって 2013 年の『Tomorrow's Harvest』以来となる待望の５作目のアルバムとなり、18の新曲を収録。 13 年という長い沈黙を破り、BOARDS OF CANADA (ボーズ・オブ・カナダ) が帰ってきました。しかし、彼らが本作で提示する「黙示録」は、決して意外なものではありません。「The Campfire Headphase」で見せた黄昏時の美しいギターサウンドや、「Tomorrow's Harvest」でのシンセサイザーのダークな反復音，冷徹でシネマティックなスタイルは影を潜め、代わりに本作を支配するのは、荒々しいディストーション、断片的なダイアログ、そして不穏なシンボリズムです。

当時のシーンを震撼させた、全く新たな回路

1998 年の傑作「Music Has the Right to Children」で独自の構造を確立した瞬間から、その代名詞であるサウンド (テープの揺らぎ、リバーブに浸されたモノフォニック・シンセ、途切れるダイアログのサンプル、そして重厚なビート) は、一種の「ミーム」として消費され、その後、多くのエレクトロニカ / IDM のミュージシャンが追随しました。初期ボーズ・オブ・カナダのレコードが持つ素晴らしさは、それが唯一無二の響きを持っていたことです。Autechre の「Chiastic Slide」以降の硬質なエレクトロニカや、エイフェックス・ツイン流の激しいエイメン・ブレイクが溢れていた当時の音楽シーンに、彼らは全く新しい回路を切り開きました。影のある名作「Twoism」や「Hi Scores」、あるいは Mask 500 (Skam) での別名義による「Midas Touch」のリミックスを聴けば、当時の彼らのサウンドが突出していたことが分かります。

過去の遺産と現代の闇が交錯する世界観

本作『Inferno』のリリースに先駆けた、謎めいた VHS テープによるプロモーション、そして先行シングル「Prophecy At 1420 MHz」が公開された段階では、疑問を持つファンもいたかもしれません。しかし、アルバム全体が公開された今、『Inferno』は、驚くほど見事な一貫性を持って迫ってきます。今作でボーズ・オブ・カナダが用いる、一見、アナクロニスティックにも思えるシンボリズムは、現在も世界のどこかで続いている戦争への間接的な言及として聴こえてなりません。間違いなく、本作は彼らがここ数年で発表した中で最もダークな作品です。

緊迫感あふれるトラックリストと、その先にあるもの

「Father and Son」：不気味なシンボリズムを孕み、名盤「Geogaddi」におけるレスリー・ニールセンの比較的穏やかなナレーションとは対照的な、アメリカン・ゴシック調の冷徹さを放ちます。「Memory Death」：心電図のビープ音のような響きを伴い、彼らならではな「ホウントロジー (過去の亡霊の音楽)」のスタイルに、別れを告げているかのように響きます。「The Word Becomes Flesh」：文化的な地獄の概念と彼らの美学的回答が並列され、ディストピア的なロボットボイスと、うねるようなアシッドの濁音が絶妙なバランスを保つ傑作です。「Blood in the Labyrinth」：美しくも不穏なストリングスが鳴り響きます。「The Process」：SFとホラーの融合した映画のようなスタイルのトラック。ここから、かつてのボーズ・オブ・カナダを彷彿とさせる甘美なトラック「You Retreat in Time and Space」へと鮮やかにつながっていきます。『Inferno』には彼らにしか到達できない息をのむような瞬間がいくつも散りばめられています。BOARDS OF CANADA が 2020 年代に提示する、深く、底知れないダーク・アンビエントの傑作をぜひ体感してください。 - 国内盤CDには解説書を封入。 - 限定スペシャル・エディション2枚組LP (レッド・トランスルーセント・ヴァイナル) ＋帯+解説。

Tracklist

01. Introit / 02. Prophecy At 1420 MHz / 03. Hydrogen Helium Lithium Leviathan / 04. Age Of Capricorn / 05. Father And Son / 06. Somewhere Right Now In The Future / 07. Naraka / 08. Acts Of Magic / 09. Memory Death / 10. The Word Becomes Flesh / 11. Into The Magic Land / 12. Blood In The Labyrinth / 13. Deep Time / 14. All Reason Departs / 15. Arena Americanada / 16. The Process / 17. You Retreat In Time And Space / 18. I Saw Through Platonia

Inferno Boards of Canada

MT GEMINI / Hawk Deh Near (LP)

80年代インダストリアルの幻影を引き摺る、MT GEMINI によるアヴァンギャルド・ダブ

MT GEMINI の『Hawk Deh Near』。Yannick Franck による、初期のスカ、レゲエ、ロックステディの影響と、型破りなエレクトロアコースティックを探求し融合するアヴァンギャルド・ダブ・プロジェクト MT GEMINI による、キャリア史上最も激しく、一切の妥協を排した衝撃のアルバム『Hawk Deh Near』。そこから燻ぶり出る音の像は最早、M.B. (Maurizio Bianchi) や Nurse With Wound といった 80 年代インダストリアル・ミュージックの幻影を重く引き摺るような歪に崩壊していく音像です。かなり面白い。タイトルはジャマイカの格言「Chicken merry, hawk deh near（チキンが楽しげに鳴くとき、すぐ側にタカが潜んでいる）」に由来しています。このユーモアと警告が表裏一体となったこの言葉は、本作に通底する「表面的な軽やかさと、その裏に潜む脅威」という緊張感を見事に象徴しています。

レゲエを「素材」へと解体する、剥き出しの儀式

本作においてレゲエは「ジャンル」ではなく、呪術的な「素材」として扱われている。断片化されたリズム、メロディ、質感は、研磨剤のように荒々しく催眠的なコンポジションへと引きずり込まれ、反復と飽和、歪んだサイケデリアによって馴染み深いフォルムを崩壊させていく。その結果生まれたのは、生の感情が直撃する、儀式的で剥き出しな「解体の音楽」だ。レコーディング、プロデュース、ミックスは Yannick Franck (ヤニック・フランク) 自身が担当。過度にコントロールされたデジタル制作をあえて拒絶し、質感、不完全さ、心理音響現象、そして不安定さを前面に押し出している。ディストーションや偶然の産物、曖昧さが、音楽の輪郭を能動的に形作っているのだ。

突然変異するアヴァン・ダブ・プロジェクト

MT GEMINI は、スカ、ロックステディ、ダンスホールといったジャマイカの形式を、非正統的な電子音響技法と融合させるフランクの長年のプロジェクトだ。それは過去の再現ではなく、「突然変異」と「寓話化」の試みである。クラシックなロックステディやダンスホールの断片は、見慣れない角度から再浮上し、濃密で儀式的な音響空間へと再構成される。アルフレッド・ジャリが提唱したパタフィジック (空想科学) ―「空想的な解決の科学」― を引用し、MT GEMINI は通常交わることのないジャンル、技法、文化を衝突させ、過激なクロス・ポリネーション (異花受粉) を創造の糧としている。

注目を集める先鋭的な表現

これまでに Sub Rosa や、自身が主宰するレーベル Antibody から作品を発表し、｢The Wire」や「Brainwashed」といったメディアで絶賛を浴びてきた。デビューアルバム「Just Like A River」は、｢The Wire」誌の年間ベスト (ダブ部門) に選出されている。ライブでは、ヤニック・フランク自身やデジタルアーティストのオルガ・フェドロヴァらが手掛けるヴィジュアルを用いた、強力なサイコ・アクティブ（精神変容的）なパフォーマンスを展開。Drew McDowall や Ghost Dubs、Croatian Amor、Shit & Shineといった強者たちとステージを共にしてきた。

多角的な表現活動

ヤニック・フランクの活動は MT GEMINI に留まらず、サウンドアート、映画、パフォーマンス、視覚認知の研究にまで及ぶ。かつてのユニット Orphan Swords ではファッションデザイナーのウォルター・ヴァン・ベイレンドンクとコラボレーションを行い、その楽曲は Netflix の人気シリーズ「Top Boy」でも使用されている。

Tracklist

1. Missing Words (Gaia Redux) 07:17 / 2. Hear What I Say (Sabotage) 06:32 / 3. Wa Do Dem (Vodlemko Mix) 07:19 / 4. Under Me Sensi Version (Short Edit) 04:49 / 5. Lead Them 05:26 / 6. (Too Much) Pressure 05:22

Hawk Deh Near MT Gemini

MARION BROWN / Awofofora (LP)

マリオン・ブラウンが到達した 70 年代の深化。『Awofofora』が1,000枚限定で待望の再発

MARION BROWN の『Awofofora』。サックス奏者 MARION BROWN (マリオン・ブラウン) が 1976 年に日本の Discomate レーベルからリリースしたアルバム『Awofofora』が 1,000 枚限定で再発。1970 年代、マリオン・ブラウンは自らの音楽を最も深く突き詰める時代を迎えていました。それは、前時代のフリージャズの枠組みを超え、即興と作曲を構築するためのより個人的なアプローチを模索した時期でした。

アフリカの伝統と前衛が交差する、唯一無二の構造美

本作は、表面的な流行としてのクロスオーバーではなく、アフリカ系音楽の伝統と前衛的な構造美が交差する、マリオン・ブラウンの真髄が詰まった名盤です。

フリージャズから「構造の音楽」へ ―― 進化の軌跡

1967 年にニューヨークを離れ、ヨーロッパへと渡ったマリオン・ブラウンは、自らの音楽を「より意図的で、構造を持った音楽」へと再構築し始めます。それは、ムードやモードが時間をかけてじっくりと展開していくような、落ち着いたペースの音楽でした。「In Sommerhausen」、「Afternoon of a Georgia Faun」、「Geechee Recollections」、そして「Sweet Earth Flying」といったアルバム群はこの進化の軌跡であり、そこではリズム構造が前景へと躍り出る一方でハーモニーは後退し、ポリフォニックな線のように、連動するリズム・パートをオーケストレーションすることが作曲の核心となっています。

「ジャズ・ロック」の誤解を超えて ―― グルーヴの本質を抽象化した極めて重要な一枚

1976 年に発表された本作『Awofofora』は、その一連の流れにおいて見落とされがちだが、極めて重要な作品です。リリース当時は、ファンクやレゲエのビート、エレキギター、当時のブラック・ミュージックに由来するグルーヴの導入から「ジャズ・ロックへの寄り道」と誤解されることもありました。しかし、今振り返れば、本作はマリオン・ブラウンの音楽的手法と完全に一致しています。彼がアート・アンサンブル・オブ・シカゴに対して抱いていた敬意と同様に、その創造的刺激は「コミュニティ」の内側から湧き出たものでした。マリオン・ブラウンは、アフロ・カリビアンのリズムやファンクを自らの感性というフィルターに通し、単に表面的なスタイルを取り入れるのではなく、その構造的な本質を抽象化してみせています。 -「La Placita」：本作で初録音となったこの曲は、アフリカのドラム・アンサンブルを彷彿とさせる手法で異なるリズム・フレーズを層状に重ね、その上でブラウンとトランペッターのアンブローズ・ジャクソンが長尺の即興演奏を繰り広げる。 -「Flamingo」：スタンダード曲を、ディアスポラ（離散）的なリズムと叙情的なソロによって再構築。 -「Pepi’s Tempo」「Mangoes」：歯切れの良いファンクやレゲエのグルーヴを活かし、集団即興を通じてブラウンが言うところの「コミュニティの顕現」を生成する。 -「And Then They Danced」：多重録音によるソロ・トラック。アルトサックス2本によるデュエット曲を一人で演奏し、独創的なヴォイシングで見せるこの曲もまた、彼の構造的思考を如実に反映している。 Alto Saxophone - Marion Brown Bass - Fred Hopkins Drums - Chris Henderson Guitar - Rene Arlain Guitar, Bass Guitar - Billy Patterson Percussion - Ed Blackwell, Juuma Santos Trumpet - Ambrose Jackson - Old-style Gatefold LP with rare photographs & liner notes by Ed Hazell. Edition of 1000

Tracklist

1. La Placita 05:46 / 2. Flamingo 05:35 / 3. Pepi's Tempo 09:04 / 4. Mangoes 08:19 / 5. And Then They Danced 06:19 / 6. Vista '76 09:13

Awofofora Marion Brown

GORAN KAJFEŠ TROPIQUES / Tell Us (CD/LP, Japan Edition with OBI)

GORAN KAJFEŠ TROPIQUES と北欧ジャズ界の精鋭が紡ぐ「スロー・ミュージック」

GORAN KAJFEŠ TROPIQUES の『Tell Us』。スウェーデンのカルテット GORAN KAJFEŠ TROPIQUES (ゴラン・カフィェス・トロピークス) が、We Jazz Recordsより待望のニューアルバム『Tell Us』をリリース。長尺な３曲で構成された本作は、真の意味での「スロー・ミュージック」。ジャズを核としながら、その響きはミニマリズムやサイケデリック、スピリチュアリティへと大きく拡張されていく傑作です。反復するグルーヴ、力強い旋律、空間的なテクスチャーが有機的に重なり合い、時間の感覚を変容させていくその音世界は、即効性とは無縁の深い没入体験をもたらします。北欧音楽シーンの結晶とも言える一枚。

ストリングスがもたらす、ジャンルを超えた高揚感

ジャズという言語をコミュニケーションの核に据えながらも、その響きはジャンルの境界を遥かに超えていく。今作ではさらにストリングス隊が加わり、音楽に翼を授けることで、親密かつ強く惹きつけられるような高揚感を生み出しています。

北欧の重要バンドを支える「ドリーム・チーム」

メンバーは、ゴラン・カフィェス (Tp, Syn)、アレクサンダー・ゼトソン (Pf, Org, Syn)、ヨハン・ベルスリング (Ba)、ヨハン・ホルメガルド (Dr) の4人。彼らは Dungen、Ghosted、Fire!、Oddjob、さらにはヨラン自身の Subtropic Arkestra など、北欧を代表する重要バンドの主要メンバーばかりです。

現代舞踊から深化を遂げた「ヒプノ・ジャズ」

ミニマリズムの伝統に根ざし、深く脈打つグルーヴを特徴とする彼らのサウンドは、時に「ヒプノ・ジャズ (催眠的ジャズ)」とも称される。もともとは 2011 年、現代舞踊団「Vindhäxor」への楽曲提供をきっかけに結成されたが、現在はそこから独立した進化を遂げ、互いの強い「躍動感」を共有しながら独自の音世界を構築しています。

ゆっくりと開花し、変容していく3つの長尺な曲

本作『Tell Us』に収録された3つの楽曲は、これまでの Tropiques のスタイルをさらに深化させたものだ。彼ららしいスペーシーな質感の中に、力強いメロディと転がるようなグルーヴ、そして限界のない音への探究心を根付かせています。オープニングを飾る「Unity In Diversity」が示す通り、彼らの楽曲はゆっくりと開花する花のようなもの。一つひとつの要素やレイヤーが、前にある音から驚きを伴いながら成長していきます。アリス・コルトレーン、テリー・ライリー、スティーヴ・ライヒ、ファラオ・サンダース、ララージ、ジョン・コルトレーン (『Crescent』期)、スウェーデン・サイケデリック、コスミッシェ・ムジーク (クラウトロック) などが好きな方におすすめです。 Goran Kajfeš - trumpet, synthesizer Alexander Zethson - piano, organ, synthesizer Johan Berthling - acoustic bass Johan Holmegard - drums + Josefin Runsteen - violin Leo Svensson Sander - cello

Tracklist

1. Unity In Diversity 13:09 / 2. Magmatique 13:06 / 3. Prije i posle 11:53

Tell Us Goran Kajfeš Tropiques